Il giullare

Oggi torneremo indietro nel tempo sino al Medioevo per raccontare chi era il giullare. Il termine deriva dal provenzale occitano  (vale a dire dalla lingua d’Oc) joglar, a sua volta derivante dal latino iocularis che significa scherzo, gioco, burla.

In un epoca in cui la cultura e il teatro ruotavano intorno alla Chiesa, si sviluppò con una diffusione altrettanto capillare il teatro profano soprattutto ad opera dei giullari, dei professionisti dello spettacolo eredi degli artisti ambulanti dell’Alto Medioevo. Il giullare era infatti un intrattenitore girovago esperto di recitazione, mimica, racconto delle storie, musica, canto di episodi classici o biblici, danza, acrobazie, le arti del saltimbanco, la retorica dei ciarlatani e molto altro ancora.

Il giullare non si esibiva in teatro ma metteva in scena il proprio spettacolo nei luoghi in cui si radunava una gran folla come le piazze, le fiere e le corti dei re durante i banchetti. Non adottava alcuna scenografia salvo, in casi eccezionali, una pedana come palcoscenico e una tenda dotata di aperture come sipario.

Nel Medioevo esistevano codificazioni molto rigide per quanto riguarda l’abbigliamento; si pensi infatti che le prostitute, per essere distinte dalle signore perbene, non potevano coprirsi il capo con un velo e talvolta erano costrette a vestirsi solo di giallo. Il giullare era visto dalla società come un elemento sovversivo e controcorrente da associare al pazzo, all’anormale, al diabolico che rovescia l’ordine comune della società imposto dalla Chiesa. Il suo vestito era dunque altrettanto ghettizzante per essere ben riconoscibile dalla folla: un indumento a strisce verticali bicolore, con campanacci (o l’utilizzo di strumenti a fiato) per preannunciare acusticamente il proprio arrivo come i sonagli dei lebbrosi, anche se in questo caso lo scopo è attirare l’attenzione della folla anziché allontanarla. Spesso indossava un cappello con dei campanelli e portava degli oggetti strani alla cintura; i capelli erano rasati e non portava la barba. Spess effettuava delle manifestazioni di nudità nel corso degli spettacoli.

Gli spettacoli del giullare costituivano il sovvertimento delle leggi sacre dell’ordine sociale, perciò era ritenuto una minaccia dalla Chiesa. Il giullare infatti offriva al suo pubblico un “canale di sfogo” del pensiero, un’opportunità di evasione dalle regole della gerarchia dei re e del potere ecclesiastico. Spesso venivano messe in scena improvvisazioni o pantomime intorno alla vita quotidiana, all’amore, al sesso, al cibo, alla beffa contro la cultura dominante, oppure un carnevalesco “mondo alla rovescia” per sfogare e esorcizzare le fatiche del vivere quotidiano mediante la risata liberatoria.

Talvolta i giullari erano dei dotti, infatti erano in grado di utilizzare forme metriche come l’ottava, lo strabotto e le ballate, si destreggiavano in generi letterari e temi differenti. Tra i temi più diffusi troviamo il contrasto, l’alba (l’addio degli innamorati al sorgere del sole), la serenata alla donna amata, il lamento della malmaritata. La loro arte è quasi sempre anonima sia sul piano anagrafico, vale a dire che non si consce la paternità di molti poemi, sia sul piano culturale. Spesso adottavano delle forme convenzionali e ripetitive poiché lo spettacolo si basava essenzialmente sull’invenzione, la battuta ad effetto o la trovata brillante e improvvisa.

Sin dal Basso Medioevo si era soliti distinguere i giullare che lavoravano stabilmente presso una corte di un re, talvolta accompagnando le poesie dei trovatori, e quelli girovaghi, che si esibivano nelle taverne e nelle piazze. Venivano inoltre distinti i giullari che raccontavano in qualità di cantastorie le storie dei santi e dei cristiani virtuosi da quelli adusi alla nudità, al contorsionismo (considerato un peccato in quanto violava le leggi di Dio) e alla volgarità.

Dal XII secolo la figura del giullare assunse anche connotazioni diverse: alcuni di questi artisti si posero stabilmente al servizio di un signore e divennero intrattenitori e musici di corte.

 

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La tradizione del pesce d’aprile

Le origini

Anche se siamo in ritardo di una decina di giorni, non è mai troppo tardi per parlare delle origini del pesce d’aprile, quella simpatica tradizione che consiste nel tormentare giocosamente gli amici con burle e scherzetti, che nella maggior parte dei casi consistono nell’appiccicare sulle loro schiene un piccolo pesciolino di carta.

Non sappiamo con certezza come sia nata la simpatica usanza, tuttavia sono state formulate al riguardo diverse teorie. Prima della riforma del calendario gregoriano il capodanno era festeggiato dal 25 marzo al 1 aprile e coloro che non si abituarono al cambiamento e continuarono a festeggiare il capodanno in questa data furono chiamati gli “sciocchi d’aprile”. Nel calendario giuliano (introdotto da Giulio Cesare nel 46 a.C.) il primo di aprile indicava infatti l’inizio del solstizio di primavera e l’inizio dell’anno.

Secondo alcuni l’origine della festa è dovuta all’usanza pagana di fare coincidere il capodanno con il solstizio di primavera, propiziando gli dei con doni, sacrifici e festeggiamenti. La fine dell’inverno era accolta con scherzi e burla, perciò il primo d’aprile era considerato un giorno particolarmente “pazzo” (April’s fool day). In Francia in questo periodo era usanza donare dei pacchi regalo vuoti e la strana usanza era soprannominata Poisson d’Avril, che significa per l’apppunto Pesce d’Aprile.

Siccome l’usanza non è tipicamente francese ma è diffusa in tutta Europa, alcuni studiosi sostengono che l’origine della festa debba risalire all’età classica, in relazione al mito di Proserpina. La fanciulla, rapita da Plutone, era cercata invano dalla madre, che fu ingannata da una ninfa. Altri invece sospettano una correlazione con la festa pagana di Venere Verticordia.

Siccome per il calendario Gregoriano la morte di Gesù sarebbe avvenuta il primo aprile del ’33, i nemici del cristianesimo avrebbero trasformato questa data in una giornata di burla per schernire coloro che credevano in Cristo. Il pesce infatti era uno dei simboli segreti con cui i Cristiani si riconoscevano tra loro ai tempi della persecuzione; pesce in greco si diceva ICHTHYS, acrostico di “Gesù figlio di Dio Salvatore”.

Ciò che è certo è che i festeggiamenti diventarono usanza in tutta Europa intorno alla fine del ‘500, sotto la Francia di Carlo IX e la Germania degli Asburgo, per poi essere seguiti dagli altri Paesi, compresa l’Italia.

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Scherzi famosi

Lo scherzo più antico mai documentato è la burla che il maestro Buoncompagno da Firenze fece al popolo bolognee nel XIII ecolo. Egli annunciò infatti che il primo di aprile avrebbe sorvolato la città con un macchinario di sua invenzione. La città si riunì s monte di Santa Maria per assistere allo spettacolo ma Buoncompagno sipresentò all’appuntamento indossando delle ali enormi e giustificandosi dicendo che un improvviso vento sfavorevole gli impediva di spiccare il volo.

Per il 1 aprile 1938 Orson Welles progettò uno speciale programma radiofonico intitolato ‘La guerra dei mondi’, una radiocronaca raccappricciante sullo sbarco dei marziani sulla terra ma, a causa di problemi tecnici, però, non fu possibile mandarlo in onda. Lo scherzo fu rimandato al 30 ottobre. Tra la popolazione corse subito un panico generalizzato: i centralini delle stazioni di polizia e dei giornali furono invasi da centinaia di telefonate, qualcuno indosò la maschera antigas, le strade si svuotarono e le chiese si riempirono. Si verificarono persino delle segnalazioni di avvistamento dei marziani.

La BBC i è particolarmente divertita girando un documentario in cui viene rivelata una nuova razza di pinguini e annunciando la nascita di un nuovo walkman che, grazie ad un particolare microcip, avrebbe potuto contenere centinaia di canzoni (era ancora lontana la nascita dell’iPod).

Fonti:

Analisi del romanzo “Cent’anni di solitudine”

Cent’anni di solitudine, il cui titolo originale in spagnolo è Cien años de soledad, è uno dei capolavori letterari più significativi del Novecento; essendo stato tradotto in più di venti milioni di copie, dal 2007 viene considerato l’opera in lingua spagnola più importante dopo Don Chisciotte della Mancia. e può essere considerato un simbolo del boom latino americano degli anni ’60 e ’70. Il romanzo è stato scritto nel 1967 dal Premio Nobel Gabriel Garcia Màrquez, l’autore sudamericano più letto al mondo.

ATTENZIONE, SPOILER!

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Large flowering sensitive plant, l’immagine di copertina del romanzo

L’Edizione tascabile

In tutte le librerie è disponibile l’edizione tascabile dell’opera dei Classici Moderni Di Oscar Mondatori, inconfondibile grazie alla bellissima opera utilizzata per l’immagine di copertina: Large flowering sensitive plant, un’illustrazione tratta da The temple of flora di Robert Thornton. L’opera rappresenta un albero esotico (probabilmente una palma, un albero del cocco o del cacao) verso la quale si dirigono in volo due uccellini in un paesaggio collinare.

L’albero è una figura ricorrente nella storia della famiglia Buendìa: il capostipite e fondatore di Macondo Josè Arcadio uendìa, per esempio, venne legato ad un castagno quando venne creduto pazzo e il suo fantasma resistette in quella posizione anche dopo la sua morte, la pianta richiama inoltre l’albero genealogico e la famiglia, i banani piantati dalla compagnia bananiera o semplicemente un elemento del paesaggio della Colombia. Persino nella profezia di Melquidades viene menzionato un albero, sempre in relazione alla triste storia del fondatore di Macondo: –Il primo della stirpe è legato a un albero e l’ultimo se lo stanno mangiando le formiche.-

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La trama

“Il migliore amico è quello che è appena morto”

Il romanzo racconta le solitarie vite dei membri della famiglia Buendìa, dal capostipite all’ultimo ramo dell’albero genealogico; nel corso dello svolgimento dei fatti, i protagonisti vivono, muoiono, si riproducono e compiono imprese memorabili. L’opera tratta inoltre la storia di Macondo, fondato da Josè Arcadio Buendìa e sua moglie Ursula, i capostipiti della famiglia, che si è modificato nel corso degli anni varie bonificazioni, l’avvento degli zingari, la guerra e ogni sorta di piccolo ma inesorabile cambiamento provocato dallo scorrere del tempo sino alla fine, quando una catastrofe naturale distruggerà Macondo e tutti i Buendìa delle ultime generazioni. La conclusione della storia di Macondo arriverà sotto forma di punizione divina proprio quando le pergamene di Melquiades, uno zingaro conosciuto da Jose Arcadio Buendia, verranno tradotte dall’ultimo discendente della famiglia.

Seguire la vicenda della famiglia può essere un po’ complicato poiché molti personaggi hanno gli stessi nomi, dunque può essere utile consultare nel corso della lettura un albero genealogico come questo, proveniente da Wikipedia:

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La morale del romanzo

“Un atmosfera di destino imperscrutabile e di fatalità, storie di desolazione e di solitudine in cui la mancanza di amore alimenta i deliri del potere.” (Prefazione)

La morale del romanzo viene svelata solamente verso la fine dell’opera: inizialmente attraverso gli indizi individuabili nelle parole del narratore onnisciente, in seguito da ciò che Aureliano scopre nelle pergamene di Melquiades. Cent’anni di solitudine racconta come ciascun essere umano sia condannato a vivere, lottare e soffrire in solitudine, senza mai essere pienamente compreso dalle persone che lo circondano. La solitudine viene presentata come un ingrediente indispensabile seppur doloroso nella vita umana, è il sentimento principale provato da tutti i personaggi della storia ed è provocata dall’incapacità di amare e di offrire solidarietà al prossimo. Anche i morti patiscono questa condizione di solitudine quando ritornano sulla terra e, paradossalmente finiscono per stringere amicizia con coloro che furono nemici in vita.

“Il segreto di una buona vecchiaia non è altro che un patto onesto con la solitudine”

Nell’opera viene inoltre presentata una concezione della storia circolare, comparabile quasi ad un eterno presente, infatti di generazione in generazione gli eventi sono destinati a ripetersi, senza che si verifichi alcun progresso per i cittadini di Macondo. E’ il caso della ribellione dei liberali contro i conservatori, durante la quale il colonnello Aureliano divenne eroe di guerra. Non molto tempo dopo la conquista dei conservatori gli operai della compagnia bananiera attuano una lunga serie di scioperi, in cui viene coinvolto come sindacalista Josè Arcadio Secondo, che vengono brutalmente repressi dall’esercito provocando la morte di tremila scioperanti. José Arcadio sarà il solo sopravvissuto oltre a un bambino d’identità ignota: fuggirà dal treno diretto al mare per eliminare i cadaveri della strage e ritornerà a Macondo. Solo la decifrazione della profezia di Melquiades potrà spezzarel’eterno presente in cui vive cristallizzata la città di Macondo e permettere al tempo di seguire un corso lineare.

Un romanzo totale che, in uno scenario biblico di decadimento, riesce a dare spessore e solidità mistica alla realtà.

“Un romanzo totale che, in uno scenario biblico di decadimento, riesce a dare spessore e solidità mistica alla realtà.” (Prefazione)

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Uno scrittore rivoluzionario

Gabriel Garcìa Marquez, Gabo, per gli amici ha inserito nel romanzo molti elementi della propria vita vissuta. Nato ad Aracataca nella Colombia atlantica, il suo anno di nascita è avvolto nel mistero: secondo alcuni venne alla luce nel 1928, ma la versione più credibile festeggia il suo compleanno il 6 marzo 1927. Primogenito di sedici figli, nacque dal telegrafista Gabriel Eligio Garcìa e dalla chiaroveggente Luisa Màrquez Iguaràn. In Cent’anni di solitudine figurano delle zingare chiaroveggenti e che Pilar Ternera, l’amante dei fratelli Aureliano e Josè Arcadio era in grado di predire il futuro con le carte proprio come la madre dello scrittore.

I genitori si trasferirono a Barranquilla affidando il bambino ai nonni materni. Nicolàs Ricardo Màrquez Mejìa, il nonno dell’autore, era un vecchio colonnello di fede liberale come Aureliano ed accompagnò realmente il nipotino in uno stabilimento della multinazionale United Fruit per vedere il ghiaccio. La nonna Tranquilina Iguaràn Cotes trascorse gran parte della sua vita vestita a lutto come Ursula e Amarante, sostenne di essere una confidente dei morti (e spesso a Macondo i fantasmi interagiscono con i vivi), e fu una straordinaria narratrice di storie mirabolanti o magiche, analoghe a quelle che compaiono nel romanzo. Il villaggio in cui il futoro scrittore visse la sua infanzia fu messo in ginocchio dal boom bananiero, in quel periodo si verificarono eventi non dissimili da quelli narrati nel romanzo.

Nel 1936 il nonno morì e Màrquez raggiunge i genitori a Sucre dove, grazie ad una borsa di studio, riuscì a frequentare le scuole a Barranquilla e poi a Zipaquirà. Diplomatosi nel 1946, iniziò a studiare legge all’Universidad Nacional di Bogotà; in questi anni scrisse i primi racconti per El Espectador, per dimostrare ad un amico che la propria generazione era ancora capace di produrre scrittori. Nel 1948 però in Colombia dilagava la violenza politica perciò le università vennero chiuse e allo scrittore non restò che abbandonare gli studi, ritirarsi sulla costa a Cartagena e dedicarsi al giornalismo. L’autore lavorò per due anni come redattore di El Universal, dopodiché si trasferì a Barranquilla, dove collaborò con Hel Heraldo e si unì ad un gruppo letterario di giornalisti e scrittori che fu molto importante per la sua formazione.

In una rubrica di commenti in libertà chiamata La Jirafa, firmandosi con lo pseudonimo Septimus, lo scrittore tracciò i profili di alcuni personaggi che sarebbero comparsi in seguito nelle sue opere. Fu l’inizio di un florido periodo di produzione artistica che durò quasi quarant’anni, durante il quale Màrquez scriverà praticamente un unico grande libro sul tema della solitudine. Nel 1951 terminò Foglie morte ma non riuscì a farlo pubblicare; ebbe invece successo il racconto L’inverno, poi ribattezzato Monologo di Isabel mentre vede piovere su Macondo, che è ambientato in un universo incantato e terribile di un villaggio caraibico molto simile a Macondo di Cent’anni di solitudine ed è intriso del medesimo senso di solitudine. Nel 1953 per mantenersi divenne rappresentante di libri, poi tornò a Bogotà per riprendersi il posto di redattore di El Espectador.

Nel 1955 riuscì finalmente a pubblicare Foglie morte (in cui compare nuovamente il personaggio di un colonnello) inoltre uscì Racconto di un naufragio, un reportage sul naufragio del marinaio Velasco. In altri racconti di questo periodo si ritrovano alcune tracce di Cent’anni di solitudine: ritroviamo infatti le pasquinate che devastano la vita di un villaggio soffocato dal caldo e le peripezie di un colonnello cui nessuno scrive mai e che alleva galli da combattimento.

Lo scrittore, che in questo periodo si era occupato anche di cinematografia, venne poi inviato in Europa, dove frequentò per alcune settimane un corso al Centro sperimentale di cinematografia di Roma, quindi si stabilì a Parigi, dove affrontò una dura situazione economica in quanto la dittatura colombiana di Rojas Pinilla aveva sospeso la pubblicazione dei giornali indipendenti.

Nel 1957 raggiunse Caracas e nel 1958 si trasferì a Barranquilla, dove si sposò con Mercedes Barcha. Dopo la rivoluzione si trasferì a Cuba per lavorare a Prensa Latin, l’agenzia giornalistica fondata da Fidel Castro. Fino al 1960 ne fu il corrispondente da Bogotà, poi venne trasferito a New York ma perse il posto in seguito a manovre di potere, perciò si trasferì in Messico, dove nacquero i suoi due figli Rodrigo e Gonzalo.

Nel 1967, dopo aver riflettuto sul progetto per una quindicina d’anni, iniziò a scrivere Cent’anni di solitudine (che nel 1982 gli permetterà di vincere il Nobel) che terminò dopo soli diciotto mesi, riscuotendo un successo straordinario, che gli permise di trasferirsi a Barcellona, dove visse sino al 1975. Nel 1972 gli vinse il prestigioso premio Ròmulo Gallegos e destinò la somma ottenuta ad un gruppo rivoluzionario venezuelano. Nel 1975 cerca disperatamente un nuovo linguaggio con Autunno del patriarca, un musicale poema in prosa in cui si riconosce ancora vividamente l’impronta di Cent’anni di solitudine.

Nel 1976 dichiarò inoltre di abbandonare la letteratura per protesta contro il regime cileno di Pinochet, successivamente iniziò a girare il mondo come giornalista, impegnandosi in favore dei popoli oppressi. Un comportamento degno del colonnello Aureliano Buendia!

Nel 1981 Cronaca di una morte annunciata racconta un fatto realmente accaduto, che affronta il dramma della responsabilità collettiva nel microcosmo sociale caraibico. Nel 1982 ottenne il premio Nobel per la Letteratura e nel 1985, anno in cui morì suo padre, venne pubblicato L’amore ai tempi del colera.

Negli ultimi anni di occupò inoltre di discorsi, molti dei quali sono stati raccolti ne Non sono venuto a far discorsi (2010), e di reportage. Collaborò a diverse produzioni televisive e, 1992, firmò con altri intellettuali connazionali una petizione per la fine della guerra nel suo paese, cambiando dunque posizione politica. Nel 1997 abbandonò il paese a seguito di una situazione che definirà “invivibile e insicura”. Dieci anni dopo venne invitato a pronunciare un discorso davanti ai membri dell’Accademia della Lingua spagnola e ai reali di Spagna in occasione del suo ottantesimo compleanno.

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Macondo, immagine tratta da statoquotidiano.it

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Un libro che merita il Nobel

Cent’anni di solitudine ebbe un successo così strepitoso da diventare il termine di paragone delle altre opere di Gabriel Garcìa Marquez, che a loro volta vengono tutt’ora lette come un’anticipazione o un prolungamento del capolavoro; l’opera permise inoltre a Gabriel Garcìa Màrquez di diventare non solo uno scrittore di successo, ma di partecipare al boom letterario latinoamericano insieme ai romanzieri Mario Vargas Liosa, Julio Cortàzar e Carlos Fuentes. Garcia giustifica con questa frase l’incapacità dei libri precedenti di ottenere un’analoga fortuna: –Ho sempre creduto che il cinema, con il suo tremendo potere visivo, fosse il mezzo di espressione perfetto. Tutti i miei libri precedenti a Cent’anni di solitudine sono come intorpiditi da questa certezza.– Nonostante lo straordinario ed immediato successo del romanzo, il Nobel per la letteratura arrivò decenni più tardi, nel 1982.

Il libro di Màrquez riesce a scardinarsi da ogni sorta di folclore, testimonianza naturalistica di maniera e dalla denuncia politica fine a se stessa per raccogliere in un solo romanzo i valori e l’immaginario della Colombia e dell’intero continente sudamericano, in cui il suo popolo e le nazioni vicine potessero riconoscersi e con cui fosse possibile raccontare il Sudamerica al resto del mondo.

Il 1967, anno di pubblicazione del romanzo, fu un periodo particolarmente fortuito per pubblicare un opera politicamente impegnata. Il ’68 era infatti alle porte, così la nuova generazione di rivoluzionari e la società in subbuglio non aspettavano altro che trovare un’opera letteraria in cui specchiarsi. Garcìa Marquez era un attivo sostenitore del regime cubano e fu per lunghi anni sostenitore del sistema sovietico e il suo libro venne letto in chiave politica da molti. L’autore risponderà: “Credo che il dovere rivoluzionario dello scrittore sia scrivere bene […] Il romanzo ideale è un romanzo assolutamente libero, che non solo inquieta per il suo contenuto politico e sociale, ma anche per il suo potere di penetrazione nella realtà; e meglio ancora se è capace di rivoltare la realtà per mostrarne il rovescio”.

Luis Borges scriverà del romanzo: “Si tratta di un libro originale, al di sopra di ogni scuola, di ogni stile e privo di antenati”, ma è evidente che Gabriel Garcia Marquez si lasciò influenzare da Faulkner, Kafka, Juan Rulfo, Virginia Woolf, Hemingway, Greene e Sofocle. L’opera viene inquadrata nel Modernismo e nel movimento letterario legato alla rivista cubana Vanguardia.

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Un libro di storia e politica

“E’ più facile iniziare una guerra che finirla”

Parallelamente alle vite dei membri della famiglia Buendìa avviene l’evoluzione della cittadina di Macondo, che può essere considerata una metafora della storia della Colombia, anche se i fatti non sono narrati in ordine cronologico ma seguendo gli sbalzi temporali voluti dall’autore. I saccheggi dei corsari inglesi lungo la costa spagnola del XVII secolo sono rappresentate nel libro dagli assalti di Francis Dake a Riohacha, che provocarono la fuga degli antenati dei Buendia. La fondazione di Macondo e alcuni eventi successivi come l’arrivo degli zingari, la costruzione della chiesa e l’entrata in scena del “correggitore” governativo conservatore, fanno riferimento alla colonizzazione della Colimbia (1830 circa), dopo la dissoluzione della Grande Colombia di Simòn Bolivar.

La guerra dei mille giorni (1899-1901), combattute dal colonnello Aureliano, si è conclusa realmente con la resa dei liberali, che hanno firmato la pace nella compagnia bananiera di Neerlandia il 24 ottobre 1902, stipulando un accordo che venne successivamente ratificato a novembre su una nave statunitense. Nei primi del XX secolo si verificò la venuta della tecnologia, che si manifesta nel romanzo attraverso la comparsa di tanti piccoli oggetti simbolo di modernità, e della multinazionale nordamericana United Fuit Company, rappresentata dalla compagnia bananiera di Mr. Brown e nominata anche nella prolessi iniziale.

L’omicidio dei 17 figli del colonnello Aureliano rappresentano i primi omicidi politici nella Colombia degli anni ’20, in un periodo chiamato La Violencia. Una strage dei lavoratori bananieri in sciopero da parte dell’esercito come quella vissuta da Josè Arcadio secondo si è veramente verificata a Santa Marta nell’ottobre del 1928. Anche i cicloni tropicali e le alluvioni sono una metafora del clima ambientale ella foresta amazzonica distrutta per seminare banani, con conseguenze disastrose per una regione sottoposta a piogge abbondanti. La depressione economica dei villaggi bananieri è un omaggio a Aracataca, il paese d’origine dell’autore. Pur trattandosi di avvenimenti accaduti in Colombia, il nome del paese non viene mai menzionato, forse perché nell’Ottocento, epoca in cui si svolgono buona parte dei fatti narrati, lo stato della Colombia non esisteva ancora.

Anche se Macondo è un luogo mitico, l’autore gli ha conferito una collocazione ben precisa: la cittadina sorge infatti nella foresta pluviale colombiana nella penisola della Guajira, non lontano dal Mar dei Caraibi. Considerando che i fondatori hanno viaggiato per due anni partendo da Riohacha prima di fondare Macondo, è probabile che la cittadina si trovi diverse centinaia a sud della stessa: nei dintorni della Sierra Nevada de Santa Marta, vicino ad Aracataca, città natia dello scrittore. Makond era il nome di uno dei villaggi bananieri abitati dai grignos vicino ad Aracataca, davanti al quale passava il piccolo Garcia Màrquez quando si recava con la madre a trovare alcuni parenti. Makond era un vilaggio cinto dal filo spinato, oltre il quale era possibile intravedere il ricco universo dei nordamericani, popolato da belle donne eleganti, case maestose, leggi e stili di vita completamente diversi per il quale il piccolo futuro scrittore iniziò a considerare Makond la città ideale.

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La stazione ferroviaria di Macondo

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Temi dell’opera

Lo stile della scrittura è semplice e favolistico, la narrazione veloce e ricca di avvenimenti. Ispirandosi alla tecnica dello scrittore argentino Jeorge Louisorges, che scrisse Il giardino dei sentieri che si biforcano, l’autore non narra i fatti in ordine cronologico ma inserisce numerose cornici temporali, analessi e prolessi, come il celebre incipit: “Molti anni dopo, di fronte al plotone di esecuzione, il colonnello Aureliano Buendìa si sarebbe ricordato di quel remoto pomeriggio in cui suo padre lo aveva condotto a conoscere il ghiaccio.” Tale scelta stilistica rende il tempo del racconto estremamente remoto, quasi epico.

Un altro elemento che accomuna Cent’anni di solitudine al boom latinoamericano degli anni ’60 e ’70 è il realismo magico, un filone letterario in cui gli elementi magici appaiono in un contesto realistico in cui non mancano eventi storici e scene appartenenti alla sfera quotidiana, senza suscitare scandalo o scetticismo nei personaggi. Le vicende sovrannaturali accadute ai membri della famiglia Buendìa permisero all’autore di inserire nel racconto alcuni miti e leggende locali. Tra i numerosi eventi magici ricordiamo l’apparizione del fantasma del defunto Prudencio Aguilar, la levitazione di padre Nicanor Reyna, la preveggenza del colonnello Aureliano, il fantasma di Melaquiades, l’ascensione al cielo di Remedios La Bella, l’apparizione dell’Ebreo Errante, il diluvio della durata di quattro anni. E’ molto probabile che queste storie furono ispirate ai racconti fantastici della nonna dell’autore.

L’artista è un abile prestigiatore nell’alternare elementi fantastici al quotidiano, così i personaggi della storia agiscono sullo stesso palcoscenico dei fantasmi e degli incantesimi e interagiscono tra l’oro in un’atmosfera che rasenta la mitologia. Quando i personaggi entrano in contatto con il divino, anziché soprendersi o spaventarsi, interagiscono in tutta calma, sentendosi perfettamente a proprio agio.

E’ curioso notare come molti personaggi di Cent’anni di solitudine portino i nomi di amici e famigliari dell’autore, è il caso di Màrquez, Gabriel (nipote del colonnello liberale Nicolàs Màrquez Mejia, proprio come il personaggio fittizio Gabriel è nipote del colonnello Gerineldo Màrquez), Iguàran e Cotes. La madre di Marquez ispirò inoltre il personaggio di Ursula. La malattia dell’insonnia che annulla i ricordi, oltre ad essere una critica all’America Latina che ha dimenticato il proprio passato, è un riferirmento all’Alzheimer, una malattia purtroppo molto diffusa nella famiglia Màrquez.

Nell’opera sono presenti numerosi riferimenti all’alchimia e all’esoterismo, un gioco letterario strutturalista di significati e numerose tematiche psicoanalitiche, come quella dell’incesto. Quest’ultima non sarebbe soltanto un evidente riferimento al complesso d’Edipo, ma anche una causa della distruzione della stirpe inevitabile per una famiglia e un paese rinchiuso in se stesso. Sono stati inoltre rilevati degli archetipi antropologici junghiani e dei simboli di amore e di morte.

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Giudizio finale

Si tratta di un’opera veramente particolare per l’ambientazione, i fatti narrati e lo stile adottato dall’autore. Il ritmo del racconto tuttavia è estremamente lento perciò ho impiegato mesi per terminarlo, inoltre è molto difficile seguire lo svolgimento dei fatti senza confondere i personaggi, chiamati quasi tutti allo stesso modo. Ho apprezzato invece moltissimo l’ambientazione magico-realistica, infatti spero presto di leggere altri libri dell’autore.

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Scorcio di Macondo, immagine tratta da iriscroll.com

Said, mi racconti il Senegal?

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Said è un bel ragazzo di 22 anni ricoverato nel mio stesso reparto che, dopo aver letto la bozza degli articoli dedicati a Manuel (clicca qui e qui per leggerli), ha deciso di farsi intervistare sul suo paese d’origine, il Senegal.

– Grazie, Said! Allora, cosa mi vuoi raccontare? – domando con un ampio sorriso d’incoraggiamento.

Said resta in silenzio, il suo sguardo si abbassa, serra le labbra carnose e i suoi occhi grandi diventano pensierosi, poi mi risponde un timido e cavernoso: – Non lo so

– Dai, su, non essere timido, puoi raccontarmi quello che vuoi!- lo incito

Potrei raccontarti la storia di Kirikù

– Solo se è diversa dal cartone animato – rispondo con gentile fermezza.

Bè, Kirikù è uscito da solo dal ventre di sua madre e, appena nato, sapeva già correre. – Niente da fare, non ci siamo proprio, siamo anni luce da una storia interessante per il mio blog.

– Said, scusami ma questa storia la conosco già… – Rispondo, mentre il mio amico sospira deluso e, dopo qualche secondo, ricomincia a raccontare.

Vedi, il Senegal è un paese molto diverso dal vostro. Da noi le persone sono sempre allegre e cordiali, voi invece siete sempre seri e vi arrabbiate per niente. In Senegal la gente si aiuta a vicenda e le famiglie non vivono separate… Non so come spiegarmi… Una coppia vive vicino ai cognati e ai cugini, insieme si aiutano; non come fate voi. Poi noi abbiamo un grande rispetto per gli anziani, non li trattiamo come voi. Qui in Italia, non appena uno diventa troppo vecchio, lo sbattete in un ospizio. Noi no, noi lo rispettiamo, non ci verrebbe mai in mente di fare una cosa del genere.

Mi sento un po’ offesa dalle sue parole: mi rendo conto che tutto ciò che ha detto è vero, però sono troppo schifosamente “politically correct” per parlare così sfacciatamente dei paesi altrui e le sue critiche mi hanno un pochino offesa. Istintivamente cerco una giustificazione storica alle mancanze di cui l’Italia è stata appena accusata: – Anche da noi era così prima, ai tempi dei miei nonni, quando l’Italia era un paese contadino… – mi zittisco immediatamente, ricordandomi che lo scopo di un’intervistatrice mettere a proprio agio l’intervistato restando imparziale. C’era mancato poco che gli sbrodolassi in faccia una lezione sulla graduale mutazione della famiglia italiana dal dopoguerra ad oggi, le drammatiche conseguenze dell’invecchiamento della popolazione in una società che rinnega la vecchiaia e la morte o le analogie tra le critiche che lui aveva appena rivolto all’Italia e ciò che i Meridionali rimproverano ai Settentrionali.

Vorrei non aver mai aperto bocca, ma ormai Said deve avere avvertito la mia irritazione perché ha bruscamente cambiato argomento: – In Senegal c’è un lago rosa. – Afferma solennemente.

– Ah sì? Ma che figata!!!

Sì, l’acqua è rosa. E tu puoi andare in barca, pescare e fare il bagno nel salatissimo Lago Rosa, il Lago Retba.

– Perché è rosa? –

In che senso?

Per quale motivo l’acqua è rosa? C’è qualche sostanza particolare nell’acqua? Oppure il fondale è costituito da materiale rosa? –

Non lo so… boh!

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Avevo appena ricevuto quel genere di risposta che avrebbe fatto venire il latte alle ginocchia di qualunque intervistatore. e si inizia a parlare di un argomento, poi devi trattarlo in maniera approfondita, non si può rispondere “Non lo so”! Questa volta però non dico nulla, cerco di mettere a mio agio l’intervistato con il più gentile dei sorrisi. Il sorrisone falso e ruffiano ha funzionato, infatti Said ricomincia a parlare!

Devi sapere che in Senegal non si può fare del male ai gatti perché ciascuno di loro è protetto da un angelo custode. Se si osa maltrattarne uno porta sfiga, un po’ come da voi per i gatti neri. Non so cosa siano questi esseri, puoi chiamarli angeli custodi o… spiriti. Anche gli uccelli sono protetti dagli spiriti, perciò fare loro del male porta sfortuna. In verità tutti gli animali hanno degli spiriti protettori, anche se non viene detto in modo esplicito.

Oh, finalmente del buon materiale su cui scrivere!

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– E poi? – domando incuriosita

E poi cosa?

– Come continua la storia?

Finisce così, è solo una credenza del Senegal. Cos’altro vuoi sapere?

– Raccontami quello che vuoi – chiedo spazientita, ormai ho perso ogni speranza di ottenere un racconto esauriente dal mio amico.

Per esempio?

– Raccontami una storia. Che ne so… Parlami di una festa popolare.

Beh, in Senegal non ci sono feste nazionali religiose perché nel mio paese convivono religioni differenti: oltre ai Musulmani ci sono i Cristiani Copti… Io sono Musulmano e una festa che mi piace molto è la grande preghiera collettiva che si svolge al termine del Ramadam.

– Chissà che festeggiamenti …

No, è una grande preghiera, preghiamo tutti insieme. E basta.

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Immagine tratta da http://www.atlantic.com

Mi rendo conto che Said è un uomo di poche parole: enuncia i fatti in maniera sintetica e precisa, senza perdere troppo tempo nelle descrizioni dettagliate e particolareggiate che invece servirebbero a me. E’ impossibile ottenere da lui i dati necessari per scrivere un articolo scorrevole e non soltanto perché Said non sa raccontare, ma anche perché mi ritiene troppo italiana per comprendere il suo paese E come si fa a raccontare il Senegal ad un’italianotta che non c’è mai stata? Come sradicarla dalla malinconica corsia d’ospedale in cui si trova e farle assaporare i suoni e i colori dell’Africa? Said non ha nulla di cui parlarmi, eppure sembra deciso a proseguire l’intervista, infatti mi rivela:

Quando eravamo piccoli giocavamo a far rotolare in avanti dei cerchi di ferro, sospingendoli con dei bastoni. Era un gioco molto divertente, ma anche molto difficile: per non far cadere il cerchio era necessario colpirlo solo dal basso e in maniera non troppo forte. Dovevamo inoltre cercare un terreno senza sassi e ben spianato, altrimenti le pietre ostacolano la sua corsa.

– Ma dai?! Ci giocavano anche i nostri nonni!

Già. Ci giocano un po’ dappertutto.

Serro le labbra per non iniziare uno dei miei soliti monologhi da sapputella su I giochi dei fanciulli di Brugel o sull’Antica Grecia e continuo ad ascoltare.

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E poi ci sono i Serign. I Serign sono degli eruditi studiosi di religione musulmana che sostengono di avere il dono della veggenza e mettono le loro capacità al servizio della popolazione. Il Serign ti offre una bottiglia d’acqua in cui ha pregato e che devi usare per lavarti, in modo tale da purificarti dal male; dopo aver pregato, devi bere tre sorsi d’acqua da una seconda bottiglia. Solitamente ci si rivolge ai Serign per purificarsi dal male, dal malocchio o dalle malattie, oppure per richiedere una pozione magica.
Ci sono un sacco di incantesimi per curare le malattie… Uno di questi, utilizzato da un popolo che non è il mio, prevede di strofinare alcune piante su un sasso per poi applicarle sulle ferite.
Infine ci sono gli Imam, che riescono a far rinvenire i matti pregando mentre pongono le mani sulla loro nuca. L’Imam è una sorta di sacerdote, ma a differenza dei vostri preti si può
sposare. In città l’Imam è più che altro uno studioso del Corano, perciò le sue preghiere sono più potenti di quelle delle persone comuni. Alcuni Imam studiano anche il francese.

– Ecco Said, questa si che è una storia!

Sì, è interessante. Adesso però sono stanco, vado a dormire, buonanotte!

Mi ritrovo così tutta sola nella corsia dell’ospedale semideserta con il quadernetto ancora aperto sulla pagina che avevo riservato a Said, con tante tracce interessanti e nessuna vera storia da raccontare.

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Immagini tratte da weheartit.it

Alla scoperta dello Scottish Medieval Rock con i Saor Patrol

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I Saor Patrol sono cinque omoni grandi e grossi con barbone alla Gandalf, tatuaggi tribali e kilt scozzese. Non provate a cercare sul dizionario il nome del loro gruppo perché è composto da antiche parole gaeliche: Saor, che si pronuncia “shore”, deriva dal gaelico Saorsa che significa freedom o liberty, perciò i Saor Patrol possono essere considerati dei freedom guards, dei guardiani della libertà.

Il loro genere musicale è più unico che raro e non lo trovate nei tradizionali negozi di musica, infatti lo Scottish Medieval Rock è una particolare branchia del rock ispirata all’antica musica popolare scozzese.  I Saor Patrol propongono il sound delle più tradizionali ballate scozzesi ma alle liriche note della cornamusa locale, accompagnata dall’epico e marziale battito di grancasse e tamburi, è affiancato il ruggente canto di una chitarra elettrica. Il risultato è la rievocazione della gloriosa storia della terra di Scozia, insaporita con un pizzico di Metal.

L’insolita band, fondata nel 1999, è richiesta nei festival e nelle sagre celtiche di tutto il mondo, soprattutto nel Regno unito (ma va!?) e in Australia, Africa, Stati Uniti, Giappone, Taiwan, Norvegia, Austria, Svizzera, Olanda e Germania. Siccome stiamo parlando di vere e proprie autorità nel campo della musica popolare scozzese, ogni volta che dalle colline di Hollywood qualcuno decide di realizzare un film in costume (ma anche spettacoli teatrali o sceneggiati televisivi) i Saor Patrol sono i primi ad essere contattati per la colonna sonora. Avete presente Braveheart? La colonna sonora del film è opera loro…

Io ho avuto il piacere di conoscere il sound dei cinque scozzesi alla Fiera dell’Artigianato di Milano, una divertente iniziativa pre-natalizia che attira un sacco di ragazzi con la promessa di mercatini etnici e stuzzichini gratis, e ne sono rimasta profondamente colpita: i Saor Patrol sanno evocare l’affascinante atmosfera di terre ed epoche lontane, trasformando un evento folcloristica in un’esperienza indimenticabile.

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Per ascoltare qualche pezzo dei Saol Patrol vi consiglio di visitare il loro sito web. Su Youtube troverete inoltre moltissimi video amatoriali dedicati alla band, ma vi consiglio di selezionare attentamente i video perchè i registratori di scarsa qualità degli smartphone non sono in grado di valorizzare i bassi, costituiti essenzialmente dal solenne rimbombare dei tamburi.

http://www.saorpatrol.com/about-us

Se invece questo articolo vi ha annoiato perchè non ritenete che la musica popolare scozzese sia all’altezza delle ineguagliabili note di David Guetta, vi consiglio di sturarvi le orecchie e dare un’occhiata a duesti due video di youbube. Si tratta di due brani che sicuramente avrete ascoltato e apprezzato un miliardo di volte, in cui la cornamusa regna sovrana evocando i trascorsi del glorioso popolo celtico e tutta la fierezza delle grulle lande di Scozia.

Le immagini sono state tratte dal sito ufficiale della band

L’amore è un cane blu

Paolo Rossi è ritornato sul palcoscenico del Piccolo Teatro di Milano per presentare, con la sua voce un po’ rauca e strascicata, L’Amore è un cane blu. E in scena compare veramente il cane blu, il simpatico protagonista di una leggenda carisca innamorato della bora: il comico infatti si è fatto accompagnare in scena da un simpatico bastardino.

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L’umorismo di Rossi è come sempre una lama tagliente che non risparmia il marcio della società, ma quest’anno si è velata di malinconia per cantare la perdita del coraggio di una società italiana incapace di continuare a sperare e di rialzarsi. E quando la colpa non è di un uomo solo o di un partito ma dell’intera collettività, un comico come Rossi non può che appellarsi alla tragedia greca, imbastardendola però con il Wester e le leggende del Carso, la sua terra. Gli artisti non possono che rispecchiare la tristezza di questi tempi di crisi ma niente paura, non c’è ragione per rinunciare all’ironia che non solo consola e rallegra, ma svela le contraddizioni della nostra epoca e ci sprona a lottare.

Il filone narrativo conduttore è l’Alcesti, che presto si trasforma in un epico vagare alla ricerca della soluzione per raggiungere gli inferi, ma le parole di Rossi proseguono lungo una strada piena di curve e di bivi, di excursus, frecciatine e battute che spesso rievocavano le produzioni del passato di Rossi e non tradiscono la sua anima giullaresca. Forse è per rivolgersi ad un pubblico moderno che il cantastorie gioca ad indossare i panni del regista, fingendo che lo spettacolo consistesse nelle prove per un film. Vengono dunque proiettati sulla scena dei simpatici titoli di testa e delle diapositive, in perfetto stile Power Point, delle locations carsiche in cui si svolgerebbero le ipotetiche riprese. Nel corso delle prove il pubblico ha potuto interagire con gli attori proprio come nelle altre produzioni del passato (per esempio in data 4 ottobre, serata in cui mi sono recata allo Streheler, una donna ha emesso degli ululati per un minutino abbondante, offrendo a Rossi l’opportunità di divertirci con le sue simpatiche improvvisazioni), ma le modalità con cui è stato chiamato a partecipare allo spettacolo sono state differenti: nel corso dell’intervallo Rossi ha inscenato un simpatico chasting per gli attori del film, invitando tutti a iscriversi in un registro, farsi fotografare insieme a lui e mangiare l’immancabile spaghettata.

La modernità dei contenuti si è fusa con la tradizione attraverso le note dell’orchestra di musiche balcaniche I virtuosi del carso composta da cinque musicisti travestiti da cow boy: Stefano Bembi alla fisarmonica, Denis Beganovic ai fiati e da una contrabbassista e cantante che, con la sua voce calda e suadente, ha accompagnato pubblico e attori nel mondo della poesia. Alla destra di Paolo Rossi l’immancabile Emanuele dell’Aquila, l’eccellente chitarrista e spalla comica che abbiamo incontrato anche in molte altre produzioni del giullare che molti considerano erede di Dario Fo.  

Il marchio Rossi non tradisce mai, come sempre ha dimostrato di essere uno dei più grandi comici italiani e ci dispiace che, tra i numerosi artisti emergenti, siano in pochi quelli in grado di succedergli. Lo show è stato un vero successo.

I filtri d’amore nell’Antica Roma

Abbiamo appurato che l’arte della seduzione sta a me come la pedicure agli zoccoli di un cavallo, perciò ho deciso di mandare a quel paese lenti a contatto, scollature e tacchi alti in favore dei ben più efficaci filtri d’amore. Naturalmente sto scherzando, però ho comunque deciso di dedicare un post a questo genere di stregoneria del passato.

Internet abbonda di deleterie cialtronerie riguardanti disgustose ricette Wikka,  rimedi della nonna e altri assurdi intrugli in cui molti sembrano credere veramente, Acqua e limone tuttavia diffida dai ciarlatani e seleziona soltanto fonti storiche accertate per descrivere non tanto l’incantesimo in sé, ma piuttosto per parlare dell’importanza che tali credenze hanno avuto nella nostra cultura. Anche a causa delle varie stupidaggini diffuse in rete dagli amanti dell’esoterismo che impediscono di distinguere il vero dal falso, tralascerò la storia dei filtri d’amore nel Medioevo e mi soffermerò sull’Antica Roma.

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Vasellame in vetro rinvenuto nella laguna di Venezia (notizie.antika.it)

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Amatoria pocula, incantesimi illegali

Il nome latino dei filtri d’amore è amatoria pocula. Se il primo termine non necessita di spiegazioni, è forse il caso di specificare che il secondo significa bicchiere, tazza o si riferisce comunque ad un generico recipiente utilizzato per bere. Si tratta dunque di una bevanda d’amore, l’ideale per soggiogare un bel ragazzo che non ci degna di uno sguardo o per sedurre la fanciulla dei vostri sogni.

L’utilizzo dei filtri d’amore era malvisto sin dagli antichi: essendo venduti da ciarlatani dalla dubbia reputazione, che li preparavano con ogni sorta di schifezza solubile in acqua, tali preparati erano considerati dei potenti veleni ed erano vietati persino nelle XII tavole del V secolo a.C., il primo codice di leggi scritte romano. Il concetto verrà poi ripreso dalla Lex Cornelia de sicariis et veneficiis, emanata da Silla nell’81 a.C., che prevedeva la pena di morte per i colpevoli. Nonostante ciò, gli amatoria pocula erano molto diffusi in ogni ceto sociale ed erano un elemento ricorrente nell’immaginario collettivo romano, tant’è che compaiono in vari aneddoti relativi a celebri personaggi romani.

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Le follie dell’imperatore Caligola

De vita caesarum è un’opera di Svetonio composta dalle biografie degli imperatori romani sino a Domiziano. Le biografie di Svetonio non si basano soltanto sulle fonti ufficiali come testimonianze oculari, decreti, senatus consulta, verbali del Senato o le opere di Gaio Asinio Pollione, Cremuzio Cordo o le Res Geastae Divi Augusti, ma ricorrono spesso anche a scritti propagandistici e diffamatori, testimonianze orali e tutto ciò che può alimentare il gusto per l’aneddoto, il curioso e il pettegolezzo. Sarà forse per questo motivo che, quando nel IV libro si accinge a scrivere la biografia di Caligola, l’imperatore più pazzo della storia di Roma, non esita a riportare una bizzarra informazione sulla sua vita amorosa:

“Creditur potionatus a Caesonia uxore amatorio quidem medicamento, sed quod in furorem verterit.”
“Si crede che sua moglie Cesonia gli fece bere un filtro d’amore, ma che ciò lo rese pazzo.”

Svetonio non dedica altre righe a tale diceria né abbiamo altre prove contro la buona fede della matrona Cesonia, tuttavia è interessante notare le singolari condizioni in cui i due sposi si sono innamorati (copio qui sotto il testo originale, tenete tuttavia presente che non siamo a scuola perciò sentitevi liberi di bruciare il dizionario di latino e prendere in considerazione soltanto il testo tradotto):

“Lolliam Paulinam, C. Memmio consulari exercitus regenti nuptam, facta mentione aviae eius ut quondam pulcherrimae, subito ex provincia evocavit ac perductam a marito coniunxit sibi brevique missam fecit interdicto cuiusquam in perpetuum coitu. Caesoniam neque facie insigni neque aetate integra matremque iam ex alio viro trium filiarum, sed luxuriae ac lasciviae perditae, et ardentius et constantius amavit, ut saepe chlamyde peltaque et galea ornatam ac iuxta adequitantem militibus ostenderit, amicis vero etiam nudam. Uxorio nomine [non prius] dignatus est quam enixam, uno atque eodem die professus et maritum se eius et patrem infantis ex ea natae. Infantem autem, Iuliam Drusillam appellatam, per omnium dearum templa circumferens Minervae gremio imposuit alendamque et instituendam commendavit.
“Lollia Paolina era sposata con l’ex console C. Memmio, comandante di armate. Caligola, avendo sentito parlare di sua nonna come di una delle più belle donne del passato, la fece subito ritornare dalla provincia, se la fece cedere da suo marito per sposarla lui stesso [ma che schifo!] e ben presto la rimandò indietro, vietandole per sempre di aver rapporti carnali con chicchessia. Cesonia non era di particolare bellezza e nemmeno nel fiore degli anni, per di più aveva già avuto tre figli da un altro marito, ma era corrotta e viziosa. Provò per lei una passione ardente e duratura a tal punto che spesso la mostrò ai suoi soldati mentre cavalcava al suo fianco con mantello, scudo ed elmo; agli amici la fece vedere anche nuda. La onorò con il titolo di sposa; quando ebbe partorito, in un solo e medesimo giorno si proclamò suo marito e padre della bambina che aveva messo al mondo. Chiamata la bambina Giulia Drusilla la portò nei templi di tutte le dee e la posò nel grembo di Minerva che pregò di nutrirla e allevarla.”

La strana passione dell’imperatore per una donna anziana deve certamente aver suscitato scalpore nella metropoli e non c’è da stupirsi che la donna sia stata accusata di chissà quale maleficio. La povera Cesonia tuttavia non centra nulla con le celebri follie che hanno reso Caligola uno dei pazzi più celebri della storia, infatti Svetonio racconta:

“Valitudo ei neque corporis neque animi constitit. Puer comitiali morbo vexatus, in adulescentia ita patiens laborum erat, ut tamen nonnumquam subita defectione ingredi, stare, colligere semet ac sufferre vix posset. Mentis valitudinem et ipse senserat ac subinde de secessu deque purgando cerebro cogitavit.”
“La sua salute non fu ben equilibrata né fisicamente né psichicamente. Soggetto ad attacchi di epilessia durante la sua infanzia, divenuto adolescente, era abbastanza resistente alle fatiche, ma qualche volta, colto da un’improvvisa debolezza, poteva a mala pena camminare, stare in piedi, riprendersi e sostenersi. Lui stesso si era accorto del suo disordine mentale e più di una volta progettò di ritirarsi per snebbiarsi il cervello.”

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Lucrezio … un demente suicida?

Lucrezio è uno dei poeti e dei filosofi epicureismi più famosi di Roma, ll De rerum naturae, la sua opera più famosa, è un capolavoro della saggezza umana. Tra le poche informazioni biografiche sul suo conto troviamo però le sconcertanti affermazioni che San Girolamo ci rivela nel suo Chronicon:

“Titus Lucretius Carus nascitur, qui postea a poculo amatorio in furorem versus et per intervalla insaniae cum aliquot libros conscripsisset, quos postea Cicero emendavit, sua manu se interfecit anno 44”.
“Nasce il poeta T. Lucrezio, che dopo essere impazzito per un filtro d’amore e aver scritto alcuni libri [del poema?] negli intervalli della follia, che Cicerone pubblicò postumi, si suicidò all’età di quarantaquattro anni”.

Secondo alcuni commentatori moderni, esisterebbe un nesso tra la leggendaria assunzione di un filtro d’amore e la concezione di Lucrezio dell’innamoramento come Insania (follia), un sentimento che destabilizza l’animo e annienta l’equilibrio razionale. Altri invece ritengono che si tratti soltanto di una calunnia diffusa da San Girolamo per screditare la dottrina pagana di Lucrezio e il suo poema materialista ed epicureo, che sosteneva la mortalità dell’anima, spacciandolo per il delirio di un folle e di un suicida con la sportività che contraddistingue i primi cristiani. Non è certo che il poeta si sia suicidato, sebbene il De rerum naturae sia rimasto incompiuto, né si ritiene corretto tentare di individuare nel celebre poema le tracce di un’eventuale psicosi clinica, nonostante i continui paragoni tra amore e follia effettuati da Lucrezio.

San Girolamo ha tratto le informazioni su Lucrezio dal De Poetis, un’opera di Svetonio degli inizi del II sec. D.C. oggi andata perduta di cui il santo si serviva abitualmente. Ci troviamo di fronte dunque ad un secondo riferimento ai filtri d’amore nelle opere di Svetonio e potrebbe non trattarsi di una coincidenza: può darsi infatti che lo storico fosse particolarmente interessato ad aneddoti di questo genere.

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Il crimen magiae di Apuleio

Un altro importante episodio della storia romana sui filtri d’amore riguarda Apuleio, il celebre autore de Le metamorfosi che, oltre ad essere un brillante scrittore, era anche un filosofo platonico, seguace di vari culti iniziatici ed esperto di magia bianca.

Nel corso di uno dei suoi numerosi viaggi, mentre si dirigeva ad Alessandria lo scrittore sosta ad Oea, attualmente conosciuta come Tripoli, ove viene ospitato dal vecchio compagno di studi Ponziano. La madre dell’amico, la ricca vedova ormai sfiorita Emilia Pudentilla, decide di sposarsi con Apuleio e, nonostante le iniziali ritrosie dell’amato, riesce a convolare a nozze.

Poco tempo dopo Ponziano muore e i parenti di Pudentilla, per non perdere l’eredità, accusano Apuleio di aver sedotto la donna con un filtro d’amore a base di strani pesci marini per impossessarsi dei suoi beni. Viene dunque avviato un processo a carico dell’accusato nella città di Sabartha, al cospetto del proconsole romano Claudio Massimo, tra il 158 e il 159 d.C. Secondo la Lex Cornelia, le accuse di Crimen magiae avrebbero potuto costare ad Apuleio la pena di morte, il quale tuttavia riesce ad ottenere l’assoluzione grazie alla mancanza di prove incriminanti e ad una brillante orazione difensiva, pubblicata con il titolo di Apologia o Pro se de magia.

Il testo pervenuto sino ai nostri giorni, che rispecchia lo stile spettacolare della seconda sofistica, è un rifacimento a posteriori del discorso realmente pronunciato in tribunale, infatti è privo delle espressioni tipicamente adottate in contesti giudiziari ed è troppo lungo per essere recitato in una orazione pubblica. Apuleio ha adottato uno stile dinamico, con un lessico e un registro molto vario, con cui smentisce brillantemente delle accuse infondate e ne approfitta per sfoggiare la propria cultura.

Il riassunto in italiano dell’Apologia è disponibile cliccando su questo link: http://www.sunelweb.net/modules/freecontent/index.php?id=546

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Le ricette di Ovidio

Nell’antichità venivano commercializzate ogni sorta di porcherie per stregare l’oggetto del nostro amore o per rinvigorire il furore amoroso dei maschietti, molte delle quali erano nocive per l’organismo. Nell’Ars amatoria, la sua opera più famosa, Ovidio condanna i pericolosi filtri d’amore propinati da fattucchiere e ciarlatani, spesso prodotti con ingredienti pericolosi per l’uomo: sarebbero infatti di gran lunga più utile ed efficace l’assunzione di erbe e piante officinali. A questo proposito, Ovidio consiglia alcune ricette naturali a base di cipolla bianca proveniente dalla Grecia, pinoli, erica e miele. Anche le mandorle comporterebbero degli effetti positivi in amore e molti altri alimenti che oggi abbiamo smesso di considerare medicamentosi o magici. Spero che vi divertirete a scoprire, nel corso della lettura del poema, con quanta semplicità gli antichi cercavano di ottenere effetti medici, se non addirittura magici, con le sostanze più semplici.

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Vasellame in vetro rinvenuto nella laguna di Venezia (notizie.antika.it)

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Conclusioni

I filtrica d’amore, come molte altre schifezze, erano molto diffuse tra i superstiziosi dell’antichità sebbene la società avesse ormai compreso la differenza tra credenza religiosa e magia da ciarlatani. Siccome molto spesso le fattucchiere che producevano tali rimedi utilizzavano sostanze pericolose (mi piace immaginare i poveri amanti non ricambiati colpiti da coliche, nausee e cagarelle varie), la legge era molto severa nei confronti dei produttori come dei consumatori, infatti era prevista la pena di morte sin dai tempi più antichi. I filtri d’amore tuttavia erano un elemento ricorrente nell’immaginario collettivo romano e venivano menzionati nei pettegolezzi e nelle malelingue o sfruttati come strumento di diffamazione a tal punto da comparire nelle biografie di alcuni “vips” della storia romana come Caligola, Lucrezio e Apuleio.

Resta comunque valida la sentenza riportata da Seneca nelle Epistulae Morales ad Lucilium:

Hecaton ait, – ego tibi monstrabo amatorium sine medicamento, sine herba, sine ullius veneficae carmine: si vis amari, ama -.
Dice Ecatone: “Ti indicherò un filtro amoroso, senza pozioni, senza erbe, senza formule magiche: se vuoi essere amato, ama.”

Questo post a vinto il premio Owl Prize, conferito dal blog Athenae Noctua

 

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